SANTIAGO DE COMPOSTELA / La Real Filharmonía cierra su temporada rompiendo los hielos del conformismo

Santiago de Compostela. Auditorio de Galicia. 29-V-2025. Marie-Claude Chappuis, mezzosoprano. Real Filharmonía de Galicia. Director: Baldur Brönnimann. Obras de Matamoro, Berlioz y Beethoven.

 Se completaron, el pasado 29 de mayo, los ocho meses de programación que la Real Filharmonía de Galicia (RFG) nos ofreció a lo largo de su temporada de abono 2024-2025, la segunda con Baldur Brönnimann como director artístico y musical; una dirección en cuya vertiente técnica está asistido por Sabela García, formando un tándem que, una temporada más, ha apostado por renovar las rutinas que tanto lastran a las orquestas cuando se convierten en simples museos acartonados, sin voluntad de asumir los retos artísticos y sociales que hoy deberían ser una parte sustancial, en diálogo con las últimas tendencias internacionales, de las metas de excelencia para este tipo de formaciones, como lo son para las universidades, los centros de arte o los festivales de cine; máxime, cuando se trata de entidades públicas sufragadas por la ciudadanía.

Uno de los pilares de dicho proyecto es la promoción de nuevo repertorio; haciéndolo, además, no sólo con producción propia, sino poniendo en valor a los jóvenes compositores de nuestro tiempo: fruto de lo cual es el encargo que la RFG ha realizado a Miguel Matamoro (Vigo, 1991) para el que ha sido el último estreno de su actual temporada, Endurance (2025), una partitura inspirada en la travesía transantártica emprendida en el año 1914 por el bergantín-goleta Endurance, con su final hundimiento en 1915 en el mar de Weddell, donde hoy reposa el pecio, descubierto en 2022 a tres mil metros de profundidad.

No tanto a la expedición transantártica en sí misma, como a esa visión del buque a través del agua, nos remite Endurance, una partitura dividida en cuatro secciones que nace dal niente desde la fricción circular ad libitum de super ball sobre el bombo, en un Larguissimo, molto silenzioso, pochissimo a poco crescendo que remeda ese abisal lecho marino, mistérico, frío y oscuro, en el que hoy permanece el barco. Sobre esa textura, constantemente modulada entre el pianissimo y el pianississimo, entran, igualmente dal niente y con las mismas dinámicas, los tres contrabajos en divisi; uno de ellos, de cinco cuerdas, cuestión en absoluto menor, pues forma parte del gran refinamiento con el que Miguel Matamoro, a partir del octavo compás, va haciendo entrar al resto de las cuerdas (en primera instancia, violas y violonchelos sul tasto) para conformar una de las señas de identidad de Endurance: su denso tejido armónico que, aunque no esté escrito de forma microtonal, sí evoca dicha interválica por cómo, al solaparse los acordes, se crean fricciones con las fundamentales que evocan la sonoridad de los tercios de tono, algo que nos puede recordar a la música de Georg Friedrich Haas y que en Matamoro se construye (lo que nos habla de su maestría como orquestador y de su pragmatismo en la notación, pues facilita mucho el trabajo a la orquesta) no con una escritura propiamente microtonal, sino por cómo ésta resulta de su abigarrada relación entre las cuerdas en divisi y las capas que se van superponiendo.

Frente a esa corriente oceánica de las cuerdas que se desliza por el registro grave, en el octavo compás harán aparición las maderas, por medio de un clarinete bajo que, igualmente dal niente y en pianissimo, comienza a esbozar otro tipo de figura que progresivamente irán perfilando contrafagot y fagot. Podríamos asociar dicha aparición a la presencia del propio Endurance en el fondo del mar, pero, asimismo, también evoca un eco espiritual y una presencia, aún viva, de la expedición comandada por Sir Ernest Schackleton, cuya fisicidad se va corporeizando hasta que las trompas consolidan su entrada, alcanzada la sección A, lo que espolea a la orquesta haciéndola ganar en grosor e impacto, desplegando su primer clímax. El propio comienzo de la obra, como su desarrollo en las secciones A, B y C, rememora lo que sería la música postromántica que se escuchaba a comienzos del siglo XX, cuando tuvo lugar el acontecimiento histórico al que nos remite Endurance; pero, asimismo, también se filtran algunas de las sonoridades más queridas por Miguel Matamoro de las músicas que pudieron haber oído aquellos hombres, como las resonancias graves de las maderas, habituales en Maurice Ravel, un compositor tan admirado como estudiado por Matamoro.

A pesar de su brevedad (apenas nueve minutos), Endurance se desarrolla con una constante intensidad que impresiona por cómo se hilvana el gran trazo desde partículas de aparente levedad que, como las gotas del océano, independientemente carecen de la fuerza suficiente, pero, unidas, pueden alcanzar un poder tan considerable como el que desatan los dos clímax dispuestos por Miguel Matamoro en su partitura: el primero, en el comienzo de la sección A; el segundo —único tutti en toda la obra—, con un poderoso Re mayor cuyo bajo es un clúster diatónico en Re que, antes de disolverse, se vuelve menor: evocación sotto voce del postromanticismo antes citado, pues se trata de dos clímax dinámicamente rebajados que inmediatamente se reintegran al flujo oceánico, concebidos como un súbito golpe de una corriente de mar, sin apenas dispersar la aplastante unidad del conjunto, el tan físico fluir de la materia orquestal.

A pesar de que la expedición del Endurance pudo acabar en tragedia, sus tripulantes finalmente se salvaron, algo que no se corresponde con la resolución de la partitura y su sombrío tono, con el trío de maderas graves, el bombo y las cuerdas lanzadas a un Ritardando poco a poco al niente que se resuelve en un último calderón que es ya prácticamente ecos del silencio conformado previamente en pianississimo. Aunque, de nuevo, hemos de recalcar que Endurance no es una obra programática, ello es así en este punto puesto que para Miguel Matamoro la historia del Endurance esconde otra lectura que, en el reverso del heroísmo asociado a dicha expedición, no oculta el que muchos de los tripulantes que se enrolaron en travesías como aquélla lo hicieron, en el periodo que va de 1914 a 1918, para evitar ser llamados a filas en la Primera Guerra Mundial: ese otro eco sordo sobre cuyo pedal de muerte se resuelve Endurance, cual si en La montaña mágica viésemos perderse, progresivamente, a ese Hans Castorp que pudieron haber sido cada uno de los tripulantes del Endurance, retornados a Europa no desde las nieves de Davos, como lo hacía Castorp, sino desde los hielos de la Antártida.

Curioso contraste térmico, el habido entre las dos primeras partituras del programa, pues de los fríos mares del sur nos fuimos a la calidez del verano francés, con ese inconformista por antonomasia que fue Hector Berlioz, un compositor capaz de los mayores tumultos orquestales (de ahí, las pérfidas caricaturas pintadas por quienes, ayer como hoy, viven en la caverna reaccionaria), o de perfumadas delicatessen como Les Nuits d’été, Op. 7 (1841, orq. 1843-56), ciclo que en Santiago escuchamos en su versión para mezzosoprano y orquesta, con la suiza Marie-Claude Chappuis como solista.

Sin mayor interés pasó la versión interpretada en el Auditorio de Galicia, carente de charme o de aroma francés; especialmente, en una primera canción a la que le faltó el brillo, el color y la ingenuidad que conocemos en soberbias lecturas de estas Noches de estío como la de Philippe Herreweghe (Harmonia Mundi, 1994), cuya cantante, Brigitte Balleys, también me parece más adecuada en este comienzo, donde Marie-Claude Chappuis optó por un mayor descaro en su interpretación, protobizetiana. Canciones como Sur les lagunes, tan bellamente suspendida, o Absence resultaron más convincentes, pero, en conjunto, la orquesta sonó apagada para lo que es la luminosidad de esta partitura, sin que nos haya contagiado vitalidad ni encanto.

Ya en la segunda parte del concierto, cerró el programa otro joven compositor, Ludwig van Beethoven, pues prácticamente la misma edad que hoy tiene Miguel Matamoro contaba el genio alemán cuando comenzó los esbozos de su Sinfonía n.º 5 en Do menor, Op. 67 (1804-08); de ahí, su arrebatado ímpetu y esa fogosidad que, precisamente, son los que han mandado en la versión dirigida por Baldur Brönnimann el pasado jueves.

Pocas sinfonías en la historia cuentan con una célula germinal que, en tan sólo cuatro notas, contenga ya no sólo una buena parte del material que acabará desarrollando toda la obra, sino que exponga las claves interpretativas con tal evidencia desde el comienzo, dejándonos bien a las claras sus tres primeras corcheas y su blanca en calderón que en Santiago la versión dirigida por Brönnimann sería un auténtico latigazo, por su fulgor y velocidad, evidenciando que, más allá del siempre complejo asunto del metrónomo en Beethoven, lo que realmente importa en la Quinta es el manejo de sus energías: dimensión crucial en la música contemporánea; de ahí, que el trabajo de una orquesta en el repertorio actual no sólo beneficie a cómo suena dicha contemporaneidad, sino cómo lo hacen las partituras históricas, algo que, en lo que a las sinfonías de Beethoven se refiere, tiene buenos ejemplos en directores como Michael Gielen o Péter  Eötvös.

Con ellos, como con Jordi Savall (una de las referencias historicistas que más cercana me parece al ejemplar Beethoven de Baldur Brönnimann), comparte el titular de la RFG la idea de una Quinta poderosamente articulada, en la que el ataque y la vivacidad son constantes; incluso, en un Andante que en Santiago sonó especialmente con moto, sin amaneramientos ni cursilerías, siempre vigoroso en sus temas y fraseándolos como parte de una construcción apabullante que, en el tercer movimiento, nos dejó pasajes realmente soberbios por cómo se construyó la sinfonía desde un engranaje propiamente camerístico. La disposición de las cuerdas (violines primeros, violas, violonchelos y violines segundos) lo acentúa en este movimiento, tanto los diálogos entre las dos secciones de violines como los contrapuntos de violonchelos en arco (estupenda sección) y pizzicati de violines, mostrando todo ello a una orquesta, aquí sí, metida en faena y atacando como esta partitura lo pide, ya fuesen las trompas o las maderas, de gran protagonismo en este Allegro tan disfrutable por la RFG (orquesta en la que hemos vuelto a comprobar el gran futuro que nos espera con los jóvenes músicos de la Escuela de Altos Estudios Musicales que, un concierto más, han vuelto a formar parte de la RFG, en otra firme apuesta de Baldur Brönnimann y Sabela García).

Desde el pizzicato que retoma el scherzo, la suspensión del tempo para la construcción de la coda y la subsiguiente entrada del cuarto movimiento han sido, nuevamente, ejemplares, tanto en fraseo como en planos dinámicos o en ese acechante apremio que, pese a la ralentización de la coda, pide un desarrollo impulsivo hacia la tonalidad de Do mayor con la que, en contraste con el Do menor inicial (y ya no digamos con las antárticas microtonalidades de Endurance) concluyó una Quinta abrumadora, verdadero viaje per aspera ad astra que rubrica algo que, si se tiene oído y el mínimo juicio estético, es más que evidente: el gran crecimiento que en los últimos dos años ha experimentado la RFG en estilo, fraseo, articulación, ataque e intensión, todo lo cual fue premiado por el público con una prolongada y fuerte ovación, sin duda contagiados por la energía de una interpretación que a nadie puede dejar indiferente, mostrando en Ludwig van Beethoven al genio por antonomasia en esta temporada titulada, precisamente, Inconformistas, que el 29 de mayo llegaba a su fin.

Para conocer qué nos deparará la temporada de abono 2025-2026, la Real Filharmonía convocó a su público para el concierto (gratuito) que el próximo 19 de junio tendrá lugar en el Auditorio de Galicia y en el que sonarán algunos anticipos de la música con la que Baldur Brönnimann, como hace un siglo el Endurance, seguirá rompiendo los hielos del conformismo.

Paco Yáñez

 (Fotos: Manu Vidal – Real Filharmonía de Galicia)