ESTRASBURGO / Espléndida recuperación de ‘Le roi d’Ys’, de Édouard Lalo
Estrasburgo. Ópera Nacional del Rin. 19-III-2026. Julien Henric, Anaïk Morel, Lauranne Oliva, Patrick Bolleire… Dirección escénica: Olivier Py. Dirección musical: Samy Rachid. Lalo: Le roi d’Ys.
He aquí a ese escurridizo Le roy d’Ys, que se creía para siempre relegado al rango de curiosidad patriótica, resucitado por la Ópera Nacional del Rin en una producción que se convierte en todo un acontecimiento. ¡Y vaya acontecimiento! Desde el primer momento, se comprende que estamos ante una de esas veladas de rara gracia en las que la magia del espectáculo total opera, devolviendo a la obra de Édouard Lalo toda su desmesura romántica y su parte de sombra celta.
Sobre el escenario, un elenco impecable hace girar cabezas. Como Mylio, el joven tenor francés Julien Henric se impone con brillantez. Rara vez se ha escuchado una mezcla semejante de valentía y legato: su emisión, de una claridad solar, aúna un agudo triunfante —de una facilidad desconcertante que despierta el entusiasmo— con un medio de una rotundidad inaudita, capaz de las confidencias más tiernas y de los pianissimi más impalpables. Encarna a ese caballero a la vez rudo y magnético con una autoridad vocal que parece traspasar los límites del teatro, haciendo de cada frase un modelo de estilo y de pasión contenida.
A su lado, las dos hermanas rivalizan en esplendor. Anaïk Morel, como Margared, es una mezzosoprano de metal suntuoso, idealmente tallado para los arranques trágicos y los estallidos vengativos del personaje. Su timbre, corpulento pero sin dureza, posee esa negrura noble que tan bien sienta a la criatura celosa. En cuanto a la joven soprano franco-catalana Lauranne Oliva, como Rozenn, ofrece el contrapunto luminoso con una soprano de pureza casi lunar, de un legato aéreo y una emoción transparente. Ambas se elevan, en sus dúos, a un nivel de excelencia que despierta consensos unánimes, impulsadas por una dirección de actores eficaz.
Pero el verdadero impacto de la velada llega de la mano del joven barítono canadiense Jean-Kristof Bouton, que interpreta a Karnak. Auténtica revelación, arde en las tablas desde su entrada. Su voz, de una potencia arrolladora, se impone con una autoridad magnética: cada intervención es un huracán, un desbordamiento de bronces guerreros, sin sacrificar jamás la nobleza de la línea. Uno queda pasmado ante este fenómeno vocal que hace temblar las paredes mientras cincela sus frases con la precisión de un orfebre. Todos los papeles secundarios, por lo demás, son asumidos con un compromiso y una justeza que confirman el trabajo de orfebre de la casa, con una mención especial para el bajo belga Patrick Bolleire en el papel titular.
En el foso, se afirma otra revelación: Samy Rachid, joven director al frente de la Orquesta Nacional de Mulhouse, ofrece una dirección superlativa. Sabe magnificar la partitura de Lalo, haciendo brotar los colores celtas, los rugidos del mar y esa melancolía heroica que recorre la obra. La orquesta alsaciana se supera, entregando una interpretación de una precisión y un ardor poco comunes, convirtiendo el foso sonoro en un verdadero personaje del drama.
En el apartado escénico, encontramos al inseparable dúo formado por Olivier Py (dirección escénica) y Pierre-André Weitz (escenografía y vestuario), habituales del lugar donde ya han firmado tantas veladas memorables (desde los antológicos Hugonotes de Meyerbeer hasta una Penélope de Fauré en ingravidez…). Ofrecen aquí una escenografía de una belleza sobrecogedora, concebida como una estampa simbolista que se despliega. Nos hallamos en una ciudad de Ys a la vez primitiva e intemporal: majestuosos muros de chapa se deslizan y se abren, juegos de agua vertiginosos evocan la amenaza constante del océano (iluminación de Bertrand Killy), mientras que el vestuario (también firmado por Weitz) mezcla lo medieval soñado con una pureza muy contemporánea. El espacio, siempre en movimiento, se convierte sucesivamente en cripta inquietante, sala del trono aplastada por el destino o acantilado azotado por la espuma. En cuanto a la puesta en escena de Olivier Py propiamente dicha, sirve a la leyenda con una inteligencia luminosa, evitando el escollo del folclore de pacotilla para ahondar en las psicologías y la dimensión sacrificial. La iluminación, siempre tan inspirada, esculpe los cuerpos y las almas, mientras que las apariciones del rey, del heraldo o del pueblo participan en una dramaturgia fluida e implacable, de una claridad perfecta.
Gracias a él, este Roy d’Ys devuelve a la obra su dimensión de gran ópera fantástica, servida por artistas en la cima de su arte. Una velada tan rara como preciosa, que deja al público colmado, suspendido entre el sueño y la tempestad, mucho después de que el dique haya cedido.
Emmanuel Andrieu
(fotos: Klara Beck)
