ESTRASBURGO / ‘Ariadne auf Naxos’ en la Ópera Nacional del Rin: un milagro musical en un marco escénico cuestionable
Estrasburgo. Ópera. 02-XI-2026. Eugénie Joneau, AJ Glueckert, Julie Roset, Dorottya Lang… Dirección escénica: Myriam Marzouki. Dirección musical: Christoph Koncz. R. Strauss: Ariadne auf Naxos.
Para la apertura de su primera temporada al frente de la Ópera Nacional del Rin, Chrysoline Dupont dio un gran golpe programando Ariadne auf Naxos de Richard Strauss. Una elección ambiciosa, a la altura de las expectativas suscitadas por su nombramiento, y que permitió revelar un reparto vocal de alto vuelo, sostenido por una Orquesta Nacional de Mulhouse de las grandes noches. Pues si la velada rozó por momentos la perfección musical, en cambio quedó lastrada por una propuesta escénica que, bajo apariencias intelectuales, falló el objetivo emocional.
La directora de escena Myriam Marzouki, conocida por su interés en las fricciones entre los mitos antiguos y las realidades contemporáneas, eligió trasladar la acción de la ópera de Strauss y Hofmannsthal a la Grecia de la dictadura de los coroneles, a finales de los años sesenta. La idea, sobre el papel, podía parecer estimulante: hacer resonar las relaciones de poder entre un mecenas todopoderoso y unos artistas coaccionados con una actualidad política opresiva. Lamentablemente, sobre el escenario, el procedimiento resultó innecesariamente complicado y, sobre todo, se hizo en detrimento de la emoción. La transposición, lejos de iluminar la obra, acabó contando una historia distinta de la que quería el libretista. El primer acto, el Prólogo, se hunde en una crónica de la convivencia que difícilmente convence, y asistimos atónitos a la irrupción de militantes pro-democráticos en la villa del mecenas, un acontecimiento que deja al espectador perplejo en cuanto a su necesidad dramática. Lo que sigue no hace sino confirmar esa sensación de confusión: el espacio escénico, parcialmente destruido, acoge una «ópera dentro de la ópera» que parece totalmente desconectada de la violencia que acaba de ocurrir, como si nada hubiera pasado.
Este enfoque, que sin duda pretende ser profundo, tiene el defecto mayor de romper el hilo de la emoción straussiana —el mismo problema encontrado, anteayer en la Ópera de Colonia, con la puesta en escena de El caballero de la rosa, revisada y corregida por Marie-Eve Signeyrole—. Donde se esperaba la magia de una metamorfosis teatral, uno se encuentra ante un discurso político impuesto con una pesadez que a veces roza la ingenuidad, en particular por culpa de sobretítulos explicativos tan pesados como inútiles. El encanto operó por momentos, sobre todo gracias a la dirección de actores, pero en general se perdió la ocasión de hacer vibrar al público al ritmo de la obra maestra de Strauss.
Afortunadamente, el foso acudió al rescate del escenario. Christoph Koncz, al frente de la Orquesta Nacional de Mulhouse, de la que es director musical, ofreció una lectura de gran sutileza e inteligencia. Antiguo concertino de los segundos violines de la Orquesta Filarmónica de Viena, conoce íntimamente la partitura y sabe restituir toda su densidad de escritura, su amor por las voces y su genio orquestal. Su dirección, de gran frescura, se ajustó a cada nueva frase con una naturalidad asombrosa, sin dar nunca la impresión de detenerse inútilmente en la anterior. El resultado fue de una elegancia eminentemente vienesa, que reforzó con gracia el carácter agridulce de un romanticismo que osciló entre sol engañoso y oscuridad inquietante. Una verdadera proeza, que permitió que la velada despegara en cada momento en que el escenario amenazaba con hacerla caer de nuevo.
El reparto vocal reunido para esta producción resultó excepcional en los tres papeles principales, empezando por la Zerbinetta de Julie Roset (ya recuperada), y más matizado en los demás. Dos días antes del estreno, la joven soprano francesa había enfermado, por lo que solo pudo mimar el papel, dejando que su colega austriaca Ilia Staple salvara la representación cantando desde el proscenio. Pero dos días después, completamente recuperada, Julie Roset cantó. Y el público de Estrasburgo pudo medir la amplitud de su talento. Su voz, de una pureza cristalina, se despliega con una facilidad asombrosa en las temibles vocalizaciones del aria Großmächtige Prinzessin. La coloratura es de una precisión quirúrgica, sin sacrificar nunca la expresividad. Pero más allá de la proeza técnica, lo que impresiona es la encarnación: una Zerbinetta traviesa, chispeante, profundamente humana bajo sus aires de diva frívola. Insufló a este personaje, a menudo reducido a su solo virtuosismo, una inteligencia dramática en todo momento. Cada frase estaba habitada, cada gesto fue el adecuado. El triunfo que cosechó al final de la representación estaba ampliamente merecido, y sin duda estamos ante una Zerbinetta de talla.
Eugénie Joneau ofreció una Ariadna absolutamente notable. Su mezzosoprano amplio, de timbre cálido y noble, se desplegó con una autoridad soberana. Supo dar a las largas frases straussianas una densidad emocional rara, entre dignidad herida, soledad y aspiración a la transfiguración. Su presencia escénica es fuerte, su encarnación justa, y uno se sintió verdaderamente conmovido por la profundidad de su princesa abandonada. Fue una actuación de muy alto nivel, que impuso al personaje con evidencia. Frente a ella, AJ Glueckert, en el papel de Baco, no estuvo menos convincente. El tenor estadounidense encarnó a un dios radiante, solar, de un arrojo gozoso. Su timbre claro y bien proyectado, su dicción cuidada y su compromiso constante dieron al papel una nobleza y una calidez comunicativas. El dúo final con Eugénie Joneau fue uno de los momentos culminantes de la velada: sostenido por la orquesta, desplegó una embriaguez straussiana verdaderamente cautivadora. Estamos ante un Baco creíble, generoso y vocalmente muy seguro. Por su parte, Dorottya Lang, muy esperada en el papel del Compositor, dejó una sensación ambigua. La mezzosoprano húngara posee indudablemente una bella técnica y un timbre seductor. Pero su encarnación carece de fiebre, de esa urgencia juvenil y de esa desesperación que hacen del Compositor un personaje tan conmovedor. Se desearía más mordiente, más fragilidad también.
Entre los papeles secundarios, Jochen Kupfer compuso un Maestro de música autoritario y con buen canto, de dicción clara y presencia natural; solo se puede lamentar una sobriedad que a veces deja al personaje un poco en segundo plano, cuando se esperaría más calidez humana. Christian Heller, en el papel de Mayordomo, fue en cambio un verdadero acierto: dicción impecable, elegancia glacial, causticidad contenida; encarna con una autoridad gozosa al representante de un poder arbitrario, sin caer nunca en la caricatura. Lucas Pauchet, como Maestro de danza, aportó una vivacidad y un color bienvenidos, aunque el papel, muy breve, apenas permite superar una composición un tanto convencional. Eduard Ferenczi Gurban, como Peluquero, y Jiawen Li, como Lacayo, cumplieton su parte con eficacia y discreción.
En el terreno de la commedia dell’arte, James Newby destacó claramente como Arlequín: barítono flexible, fraseo elegante, comicidad natural; dio al personaje un relieve inmediato y su aria Lieben, Hassen, Hoffen, Zagen figuró entre los momentos más convincentes de la velada. Aleksandre Khukhushvili (Scaramouche), Antoine Foulon (Truffaldino) y Arwen Tanguy (Brighella) formaron un equipo enérgico y colorido, pero que aún carece un poco de madurez escénica y homogeneidad vocal; su presencia es agradable, su actuación a veces recargada, y se percibe en ellos a artistas en ciernes más que a una compañía plenamente consolidada. Las ninfas, Naïma Wanshe (Náyade), Lucy Evans (Dríade) y Jessica Hopkins (Eco), ofrecieron por su parte un trío fluido y bien fusionado, de timbres complementarios; su Lamento se desplegó con una bella solidez y una emoción real, aunque a veces se hubiese deseado un poco más de relieve individual para distinguir cada una de las tres voces.
Un primer mandato que se abre, pues, bajo los mejores auspicios musicales, con la esperanza de que las próximas producciones escénicas sepan también ponerse al servicio de la emoción…
Emmanuel Andrieu
(fotos: Klara Beck)
