ANGERS / Éxito total de ‘Robinson Crusoe’ según Laurent Pelly
Angers. Grand-Théâtre d’Angers. 10-V-2026. Pierre Derhet, Mathilde Ortscheidt, Catherine Trottman, Kaëlig Boché, Apolline Raï-Westphal, Marc Scoffoni, Frédéric Caton, Julie Pasturaud. Dirección musical: Guillaume Tourniaire. Dirección escénica: Laurent Pelly. Offenbach: Robinson Crusoe.
Una isla desierta en pleno Manhattan, personas sin hogar bajo tiendas Quechua, un matadero industrial alucinante y salvajes disfrazados de Donald Trump: ¡bienvenidos al Robinson Crusoe de Jacques Offenbach según Laurent Pelly! Creada con gran pompa en el Théâtre des Champs-Élysées el pasado diciembre, esta producción hizo una escala en el Grand-Théâtre d’Angers para una única representación en Angers antes de una serie de cuatro fechas en el Théâtre Graslin de Nantes (los días 29 y 31 de mayo, y luego el 2 y 4 de junio), en el marco de la temporada 25/26 de Angers Nantes Opéra. El público, conquistado, brindó a este equipo artístico (casi completamente renovado) una acogida triunfal, digna de las grandes veladas offenbachianas.
Uno podía preguntarse legítimamente cómo se inscribiría esta reposición en la estela de las representaciones parisinas, llevadas en su momento por Marc Minkowski al mando y un reparto estelar. Apuesta ganada gracias a la dirección musical vertiginosa de Guillaume Tourniaire, al frente de la Orquesta Nacional de los Países del Loira: la partitura de Offenbach recupera todo su esplendor —ya sea deslumbrante, cáustica o profundamente elegíaca. La lectura del director, que conoce perfectamente los entresijos de este repertorio, realza la instrumentación tornasolada de la obra.
Pero es sin duda la puesta en escena de Laurent Pelly la que imprime su sello con una coherencia notable. Han desaparecido los clichés colonialistas del libreto original de Cormon y Crémieux: aquí no hay rastro de jerigonza indígena ni de buenos salvajes de pacotilla. Agathe Mélinand ha realizado una adaptación de los diálogos de una modernidad incisiva. Los piratas se han convertido en militares con uniforme de camuflaje, los antropófagos en obreros aplicados de un matadero de alta tecnología, y Viernes —maravillosamente interpretado por Mathilde Ortscheidt— en un emigrado hispanoamericano de pasado doloroso, lejos del sirviente complaciente de la tradición.
Es sin duda en el plano vocal donde la apuesta era más arriesgada. El reparto parisino alineaba nombres prestigiosos: Sahy Ratia, Julie Fuchs, Laurent Naouri. En Angers, se presenta un reparto completamente diferente, y uno se alegra de comprobar que la excelencia no es patrimonio exclusivo de la capital. En el papel titular, el tenor valón Pierre Derhet es una revelación. Encarna a un Robinson juvenil y a la vez curtido, con una voz franca, una dicción impecable y agudos seguros, otorgando al personaje una vulnerabilidad conmovedora. Su aria del primer acto —o más bien su relato de viaje impregnado de un idealismo casi baudeleriano— está interpretada con un dominio de los matices que augura una hermosa carrera. Frente a él, Catherine Trottmann da vida a una Edwige de gran nivel. Pasando de una joven encorsetada en busca de amor a una mujer liberada, casi sobrecargada, la soprano alsaciana, con sus agudos estratosféricos y controlados, otorga a la famosa romanza “S’il fallait qu’aujourd’hui” un color a la vez cristalino y carnal. ¡Arte mayúsculo!
Mención especial también para el dúo formado por Apolline Raï-Westphal (Suzanne) y Kaëlig Boché (Toby). En un número de una energía contagiosa, su dúo de la muerte inminente, donde cada uno intenta salvar su pellejo con una mala fe jubilosa, desencadenó la hilaridad general. La dicción relampagueante de la soprano, la presencia escénica irresistible del tenor, todo contribuye a hacer de este momento una de las cumbres de la tarde. En cuanto a los “malos” —si es que el término tiene sentido en Offenbach—, Marc Scoffoni es un Jim Cocks propiamente inolvidable. Ataviado con un mono ensangrentado y gafas de sol, el barítono impone una voz mordaz y carnosa, a la altura de la crítica social que Pelly hace recaer sobre este nuevo personaje, capataz de una fábrica de carne donde los náufragos se convierten en filetes. Frédéric Caton (Sir William Crusoé) y Julie Pasturaud, única superviviente del reparto parisino, forman una pareja parental encorsetada, cuyo dúo rígido subraya por contraste el llamada del mar de su hijo.
Escénicamente, Chantal Thomas ha realizado un trabajo de orfebre. El primer acto, situado en un interior burgués londinense de acentos años cincuenta —mecánico y encorsetado—, gira sobre un escenario giratorio que va descubriendo sucesivamente a los diferentes protagonistas. El aburrimiento almibarado de esta familia Crusoé es casi palpable, y uno comprende que Robinson se haga a la mar. Luego viene el segundo acto, y el impacto visual: la isla desierta se ha convertido en un rincón apartado de Manhattan, dominado por rascacielos lejanos y sembrado de tiendas de personas sin hogar. Allí vive Robinson, barbudo, desaliñado, auténtico náufrago de la sociedad capitalista. La tienda Quechua se convierte en la metonimia trágica de su reino. Más allá, la fábrica de la que se eleva un gigantesco letrero luminoso “EAT” funciona como un memento mori industrial. El gag visual —pronto solo quedará la letra “T”— es a la vez hilarante y profundamente oscuro. Laurent Pelly no se limita a hacer reír: denuncia, sin perder jamás la ligereza que es la marca del género.
Donde Offenbach y sus libretistas concluían con una boda y un regreso triunfal a Inglaterra, Pelly elige la ambigüedad. En el tercer acto, los “piratas” visten el uniforme caqui de soldados estadounidenses, mercenarios de la codicia. El ambiente se vuelve turbio, el humor negro toma el relevo de la franca carcajada. Y la conclusión es inesperada: solo, adormilado a la sombra de una palmera bajo un cielo azul pintado —una palmera real, incongruente y magnífica—, Robinson parece haber elegido la soledad definitiva. Ni regreso a Bristol, ni redención por el amor. Solo un hombre que, habiendo visto la vacuidad del mundo y el absurdo de la “civilización”, opta por el silencio y el aislamiento. Esta elección, vertiginosa, cautivó al público de Angers. Tras un momento de silencio cargado de emoción, estallaron los aplausos, nutridos, sinceros, y la llamada a escena colectiva de la cantante que interpretó a Viernes —una Mathilde Ortscheidt de timbre redondo y aterciopelado, conmovedora como compañero travestido de gran corazón— fue uno de los momentos más intensos de esta ovación.
Sería injusto no mencionar la notable aportación del Coro de Angers Nantes Opéra, preparado por Xavier Ribes. Ya sea en los conjuntos endiablados del primer acto o en la letanía grotesca del matadero, los coristas demuestran una presencia escénica y una homogeneidad vocal notables. La Orquesta Nacional de los Países del Loira, bajo la batuta ágil de Guillaume Tourniaire, se apropia de esta partitura olvidada con una naturalidad pasmosa. Las maderas, incisivas y traviesas, las cuerdas, ya sean aterciopeladas o nerviosas, los metales, brillantes sin ser nunca vulgares: todo contribuye a servir un Offenbach a la vez eléctrico y refinado.
Mientras que algunas reposiciones de producciones exitosas tienen dificultades para encontrar su segundo aliento, este Robinson Crusoe de Angers se impone como un éxito total. Gracias a Angers Nantes Opéra, el público que acudió en masa tuvo el privilegio de asistir a una representación única, pero aquellos que no pudieron desplazarse tendrán la oportunidad de recuperarlo en el Théâtre Graslin de Nantes (del 31 de mayo al 4 de junio), y luego en la Ópera de Rennes (del 16 al 24 de junio), con el mismo reparto. Una sola certeza: si les gusta Offenbach, si les gusta la ópera que se atreve a todo, si quieren ver cómo una obra maestra olvidada puede resonar con las angustias del siglo XXI, no se pierdan esta odisea descabellada —aprovechando, por ejemplo, la retransmisión del espectáculo en directo en el marco de Opéra sur Écran(s), el 18 de junio de 2026.
Emmanuel Andrieu
(fotos: © Romain Boulanger)
